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19세기 대가처럼 그리는 법

How to paint like a 19th century master

19세기는 예술의 전성기였습니다. 아티스트는 높은 명성과 대우를 얻었고, 대중은 그들에게 예술을 배웠습니다. 엄격한 교육 덕분에 높은 수준의 테크닉을 가진 작업도 볼 수 있게 되었습니다. 
 
Lawrence Alma-Tadema, Frederic Leighton, William-Adolphe Bouguereau와 같은 아티스트들은 아름다움, 클래식, 고상함을 담은 작업을 만들었고, 현대 시대에서, 그 중에서도 특히 오래된 것들에서 영감을 얻었습니다. 
 
그들은 모두 비슷한 과정을 따라갔습니다. 썸네일을 만들고, 드로잉에서 구체화하고, 삶에 대한 연구와 색에 대한 연구를 한 뒤에 최종 작업을 완성했습니다. 브러쉬가 캔버스에 닿기 전부터 엄청난 양의 계획과 노력이 들어간 것입니다. 
 
우리는 이 대가들로부터 많은 것을 배울 수 있고, 오일 페인팅을 그릴 때 분주해지지 않고 차분히 그릴 수 있게 됩니다. 썸네일 단계에서 급하게 굴지 마세요. 이 단계가 구도를 탐구하기에 가장 쉽고 좋은 단계입니다. 
 
할 수 있다면, 스케치를 그리고 하루 이틀이 지난 뒤에 돌아와서 새로운 눈으로 스케치를 관찰해 보세요. 썸네일이 완성되고 나서, 아이디어를 좀 더 가다듬는 데 시간을 쓸 수 있습니다. 

불타는 6월 by Frederic Leighton, 1895, 이 튜토리얼에 영감을 준 작품

이 프로젝트를 위해 Birgitte Smoot은 모델로서의 역할 뿐만 아니라 의상 쪽으로도 도움을 주었습니다. Erin Bjorn은 역사적으로 정확한 의상을 만들어 주었고, 이것은 시작부터 우리의 노력에 힘이 되어 주었습니다. 우리는 나무 판넬에 Blue Ridge 오일 페인트를 사용했고, Rosemary & Co 브러쉬와 New Wave Art Expressionist Confidant arm 팔레트를 사용했습니다.

당신이 기쁜 그림, 그리고 감상자가 당신과 같은 감정을 느낄 수 있는 그림을 그리세요. 다음 스텝을 따라 대가들의 가슴을 울리는 그림을 그려보세요. 당신이 좋아하는 아티스트를 찾아 영감을 받아 그림을 그려보세요. 아티스트에 대해, 그리고 자신에 대해 더 많이 알게 될 것입니다.

1. 영감 찾기

Dolce Far Niente by John William Godward, 1897

Leighton, Godward 그리고 Alma-Tadema와 같은 19세기 대가들로부터 배워보세요. 이 단계에서는 영감을 얻을 만한 작업을 찾습니다.

자신감 by Alma-Tadema, 1869, 영감의 흐름을 계속해서 준 작품

이 그림들에서는 색의 풍부함과 정제된 선이 돋보입니다. 이러한 아름다움에서 영감을 받지 않기도 어려울 것입니다.

이 작업들은 당신의 그림에 역사적으로 정확한 디테일을 넣는 데도 도움을 줄 것입니다. 인터넷 또한 좋은 도구입니다. 벽과 바닥의 모자이크에 관한 레퍼런스와 청동 화로 등에 대해 온라인에서 자료를 구할 수 있습니다. 그림을 더 정확하게 그릴 수 있게 해주고, 시각적으로 풍부하게 해줄 수 있을 것입니다.

2. 가능한 구도 찾기

썸네일을 활용해 구도를 탐구하세요.

썸네일 이미지를 그려서 구도에 대해 생각합니다. 이 페인팅에서 우리는 썸네일을 네 개 그렸습니다. 딱히 서로 관련이 있어 보이지 않는다는 것을 알 수 있을 것입니다.

3. 아이디어를 확립하는 스케치 그리기

마음에 드는 썸네일을 스케치로 발전시킵니다.

썸네일 중 하나를 골라서 스케치로 그려나갑니다. 이 작업은 포토샵으로 진행했지만, 흑연이나 연필로 진행해도 좋습니다. 이 작업의 포인트는 아이디어를 확립하여 알맞은 레퍼런스를 모으고 모델을 구체화하는 것입니다.

4. 사진을 도구로 활용

영감을 주는 레퍼런스 사진은 많은 도움이 됩니다. 다만 그림으로 옮길 때는 예술적 시각으로 해석하여 표현합니다.

스튜디오에 모델이 항시 대기하는 행운을 가지고 있지 않다면, 사진 자료는 값진 도구가 될 것입니다. 가장 좋은 레퍼런스를 찾기 위해 노력하세요. 사진의 노예가 되지는 마세요. 당신은 아티스트이지, 카메라가 아닙니다. 당신의 창의성을 믿고, 손끝의 예술적 감각을 사용합니다.

5. 구도 그리기

격자 선을 사용해 캔버스에 구도를 그립니다.

이 그림은 12X16인치로, 저희는 1인치 격자를 사용해 구도를 넣었습니다. 모든 디테일을 그릴 필요는 없지만, 저희는 모자이크는 디테일하게 표현했습니다. 마지막 단계에서 검정 선의 이점을 살리길 바라면서 말이죠. 다 그린 후에 주요한 선을 Pigma Micron 펜으로 칠했습니다.

6. 캔버스 엷게 칠하기

금색 밑칠은 그림에 따뜻한 느낌을 줍니다.

연필 격자를 지우고 밑칠을 시작합니다. 이 작업은 몇 가지 효과가 있는데, 첫째로 이후에 칠할 색깔 레이어의 정확성을 판단하는 척도가 됩니다. 둘째로 따뜻한 색이 그림 전체에 있게 되어서 미묘한 생동감을 주는 효과도 있습니다.

7. 색칠하기

얇은 물감은 드로잉을 드러내는 데 도움이 될 것입니다.

이제 전체 그림에 얇은 물감을 칠합니다. 5개 파트로 구성된 테레빈 믹스를 사용합니다. 한 파트는 damar 바니시, 또 하나는 스탠드 오일로, 이 페인트는 그림에 수채화 느낌을 주며 빨리 마릅니다. 또한, 페인트에 반투명 효과를 줘서 드로잉이 좀 더 드러나 보일 것입니다.

8. 첫 번째 덧칠하기

머리와 손을 먼저 칠합니다. 가장 주의를 끄는 부분이기 때문입니다.

첫 번째 덧칠을 할 차례입니다. 머리와 손부터 시작하면 페인팅의 가장 중요한 부분에 퀄리티를 더하고 명도의 범위를 잘 조정할 수 있습니다. 시원한 햇빛에 비치는 살결을 표현할 때는 그림자를 따뜻하고 활기 있게 표현해 줍니다.

9. 계속해서 작업

한 번 마르고 난 뒤에 다시 한번 칠할 수도 있습니다.

첫 번째 덧칠에서는, 다 마르고 난 뒤에 한 번 더 칠할 수 있음을 기억해야 합니다. 광택을 처음부터 완벽하게 내서 끝내버리려는 함정에 빠지지 마세요. 경험이 알려주겠지만, 페인트를 단순히 밀어 넣는 동작과 실제로 작업이 진행되는 것의 차이를 곧 알게 될 것입니다.

10. 첫 번째 덧칠 완성

거의 끝났습니다.

첫 번째 덧칠이 완성되었습니다. 어떤 부분은 평평하고 어떤 부분은 페인트가 많은 것을 볼 수 있지만, 명도와 색은 잘 형성되었습니다. 한번의 스트로크에 큰 임팩트가 있고 어느 파트를 강조하고 싶은지를 결정할 수 있을 때부터 정말 재미있어집니다. 약 80% 정도 완성된 지점이라고 볼 수 있습니다.

11. 두 번째 덧칠 시작

날카로운 팁을 가진 브러쉬로 디테일을 그릴 수 있습니다.

예술계의 영웅처럼 그리기 위해서는 꼼꼼함이 필요합니다. 가장 작은 디테일을 위해 아주 날카로운 팁을 가진 중간 크기의 둥근 브러쉬를 구입하세요. 이 브러쉬로 디테일을 그리기 충분할 것이고, 물감 또한 충분히 머금고 있을 것입니다.

마크를 만들기만 하지 마세요. 어떻게 페인트를 칠할지에 대해 심사숙고합니다. 정확한 색, 명도, 모양을 한번 한번의 스트로크마다 생각하세요.

12. 마무리 터치하기

주름과 같은 마지막 디테일을 넣습니다.

거의 다 왔습니다. 섬세한 전환을 표현하고, 손의 주름과 피부의 정맥과 같은 작은 디테일을 표현합니다. 다른 미디움 없이 투명 색만 사용한 광을 내서 강조할 수도 있습니다.

전체 작업은, 아이디어에서부터 완성까지 48시간이 걸렸습니다. 그중 44시간이 그림 작업이었습니다.

13. 프레임에 걸기

작업을 돋보이게 하는 프레임을 찾는 것을 잊지 마세요(혹은 직접 만드셔도 됩니다). 이 Masterworks 프레임은 핸드메이드이고 16k 골드 잎을 사용해 오래되고 웅장한 느낌을 줍니다. 프레임의 아치 형태 또한 그림 구도에 영향을 주었습니다.

이 글은 Paint & Draw 9호에 실렸습니다. 여기서 구매하세요.

출처 : 원작자 ㅡ  Howard Lyon | 튜토리얼 ㅡ http://www.creativebloq.com/how-to/paint-like-a-19th-century-master